Unidad didactica: el color

Unidad didactica: el color

UNIDAD DIDÁCTICA: EL COLOR

INTRODUCCIÓN

Contexto:

Alumnado de 1º de la ESO en el IES Azahar de Sevilla. Nivel socio-económico medio.

Fundamentación
Con esta unidad se pretende que los alumnos y alumnas distingan las variaciones del color y conozcan sus principales cualidades, sepan mezclar colores y prever resultados, reconozcan y realicen diferentes combinaciones cromáticas, apliquen estos conocimientos en creaciones personales. Aunque es habitual la utilización del color en cursos anteriores, es posible que para algunos de estos alumnos y alumnas sea ésta la primera vez que lo estudian de forma analítica.

OBJETIVOS

Generales:

• Entender la naturaleza física del color.
• Comprender los dos usos básicos del color, como luz y como pigmento o materia coloreada.
• Iniciarse en la mezcla substractiva del color.
• Descubrir las clasificaciones más habituales que se hacen de los colores, así como sus relaciones e interacciones.
• Conocer las tres cualidades que nos permiten diferenciar los distintos colores: matiz, tono y saturación.
• Descubrir las posibilidades expresivas y comunicativas de las armonías y contrastes cromáticos.
• Apreciar los el papel del color en algún movimiento artístico o artista.
• Experimentar el tratamiento del color con herramientas digitales.
• Adquirir una actitud crítica del uso del color en la vida cotidiana: alimentación, vestimenta, estancias, señalética, medios de comunicación de masas,…

Específicos:

• Apreciar el comportamiento del color en diferentes experimentos: descomposición y composición de colores, proyección de los mismos…
• Diferenciar los resultados que produce la mezcla de luces de color y la mezcla de pigmentos.
• Realizar una escala o rueda de colores partiendo de los tres colores básicos.
• Identificar y conseguir diversas tonalidades, grados de saturación y matices mezclando los colores primarios, el blanco y el negro.
• Distinguir y aplicar, en diferentes imágenes, los distintos tipos de armonías y contrastes cromáticos.
• Aumentar la expresividad de una imagen gracias al tratamiento digital del color.


CONTENIDOS

Contenidos conceptuales:

Primer bloque:

• Fundamentos del color
• Uso histórico del color


Segundo bloque:

• Psicología del color
• Alimentación y color
• Salud y color.

Tercer bloque:

• Señalética
• Color y nuevas tecnologías

Contenidos procedimentales:

• Observar las cualidades plásticas del color en el entorno natural y urbano y en obras de arte.
• Experimentar con cambios lumínicos para comprobar su influencia en la percepción visual.
• Representar formas y ambientes a través de la interpretación de las cualidades cromáticas.
• Utilización de recursos informáticos para crear composiciones en donde el color sea el principal elemento a tener en cuenta.

Contenidos actitudinales:

• Valorar las actitudes tolerantes y solidarias en los mensajes visuales.
• Responsabilidad en el proceso de elaboración de sus producciones.
• Respetar las producciones plásticas realizadas por otras culturas (y por otros compañeros)


METODOLOGÍA

• Activa, participativa, abierta, flexible,…
• Tipo de enseñanza significativa o constructiva. Combinando exposición de contenidos con trabajo del alumnado.
• Tiempo de realización 6h, dividas en 3 bloques

Actividades:

• De iniciación, sobre el primer bloque, individual: realizar un círculo cromático, con lápices de madera que deberán traer de casa.
• De desarrollo, sobre el segundo bloque, en parejas: realizar un proyecto sobre alguna de las siguientes temáticas:
-Pintar las estancias de una vivienda habitada por una familia particular
-Hacer un menú de comida para un día basado en los colores
• De acabado, sobre el tercer bloque, en grupos de 3 ó 4 personas: elegir una fotografía para manipularla digitalmente (colores, saturación, tono…)

Mis argumentos sobre la educación artistica en el presente

Para mi, la educación artistica, está más cercana a la idea de cómo la DBAE planteó esta cuestión. Yo creo que no debemos tener miedo al conocimiento previo y "tradicional". El conocimiento teórico de las artes plásticas, da una cultura previa sobre la que opinar, tener criterio, estudiar y crear. No es excluyente sino que añade. El problema que veo en este tipo de enseñanza es que el profesorado tiene que ser un colectivo muy preparado y muy contregado a la enseñanza y a la investigación.
Otra de las cuestiones que no se deberían olvidar en este tipo de formación, serían las nuevas tecnologías y manifestaciones artísticas. No podemos sólo dejar la vista en el pasado sino ponerla en el presente e incluso en el futuro.

Pros y contras de las distintas etapas de la educación artísticas

Hasta finales del s.XIX y principios del XX, la educación artística estaba dirigida hacia el conocimiento y control de una profesión. Por lo tanto, en tanto en cuanto, la educación artística daba respuesta a esas necesidades, considero que estaba bien estructurada y era la adecuada.
A partir de esa fecha la educación artística se amplió a toda la sociedad en general y ya no era una "profesionalidad". La educación artística se convirtió en una expresión más de crecimiento personal. Desde ese momento, que no tiene definida una finalidad concreta, es cuando es susceptible de crítica. ¿qué entiende cada uno qué se debe aprender en una educación artística?

Grado de afinidad con los distintos puntos de vista desarrollados a lo largo de la historia de la educación artística

Bajo mi punto de vista, lo más relevante es ver que el desarrollo de las artes plásticas a lo largo de la histora ha venido determinado por las necesidades concretas de la sociedad de cada momento histórico. La educación artística ha estado ligada siempre a unas necesidades concretas.

Didáctica de la Educación Artística. R.Marín

- Antiguedad. Platón, Aristóteles. Asignaturas de la escuela: leer/escribir, gimnasia, música y dibujo. El dibujo dá capacidad para observar la belleza de los cuerpos.
- Edad Media (Europa). El "arte" está en los talleres. Técnica. Profesiones.
- Renacimiento y Romanticismo. Escuelas de dibujo. Especializada y profesional. Pintores, escultores y arquitectos. Asignaturas: historia del arte y estética.
- Siglo XIX. Enseñanza del dibujo al conjunto de la población. Contexto histórico: industrialización, nacionalismo, neoclasicismo, romanticismo, revolución francesa. Dos orientaciones en el dibujo: artístico (representación veraz de la naturaleza) y técnico (exacta descripción de formas, objetos, mecanismos; exactitud y detalle)
- 1782-1852. Empiezan los estudios en preescolar. Copiar láminas cada vez más complejas. Perfección en la técnica.
- Primera mitad siglo XX. Descubrimiento arte infantil. Ya no es un cúmulo de erratas sino una manifestación genuina y propia de una forma de comprender el mundo. Vanguardista, cubismo, expresión abstracta.
- Autoexpresión creativa: Lo decisivo no son los contenidos sino la persona que se forma. Desarrollando en las personas y potenciando su capacidad creativa. Lo decisivo son los procesos no los resultados. Dibujo libre y expontáneo.
- 1951 Consolidación institucional INSEA. Recomendaciones: Obligatoriamente en el plan de estudios; método:estimular al alumno a que encuentre su propia forma de expresión. Argumentos: Ver es pensar y las artes visuales constituyen un lenguaje.
- Elliot Eisner: la revisión disciplinar de la autoexpresión creativa.
- Educación Artística basada en la disciplina DBAE. Estructura de los contenidos en cuatro disciplinas: estética, crítica del arte, historia del arte y el estudio de las diferentes modalidades artísticas -dibujo, pintura, escultura, cerámica, arquitectura...- La creatividad ya no es entendida como una capacidad innata de todas las personas que simplemente hay que dejar que se desarrolle, sino que por el contrario es entendida como la capacidad para dar con respuestas innovadoras a partir de un profundo conocimiento y dominio de las convenciones artísticas.

El arte y la cultura

Estoy leyendo el texto que nos dieron en clase. Me está costando mucho leerlo, de hecho voy por la segunda vez que lo hago. Lo encuentro bastante lioso, con muchas palabras y conceptos nuevo, las frases muy largas y las ideas demasiado enrevesadas... pero cuando lo haya comprendido totalmente (si lo consigo) pondré aquí mi impresión.

Lo he releido y ya lo entendí todo. (bajo mi punto de vista se enreda un poco). Pero estoy de acuerdo con él. Creo que el arte está abolutamente ligado a la cultura en la que se crea. No se puede entender un arte sin conocer el contexto cultural en el que se desarrolla.

Arte (y/o como) Sistema Cultural-C.Geertz

El criterio de lo "interesante"
Lo que está ocurriendo es que mientras el artesano medieval, el hombre de genio del Renacimiento, o del barroco, el escritor realista, o el poeta surrealista esculpieron estatuas, pintaron cuadros o escribieron poemas, hoy, a nosotros, eso nos parece poco. Hoy producimos directamente "cultura": todos, grandes y mayores, a pequeña y a gran escala, a todas horas, en grandes cantidades y de todo tipo.

Mientras la oferta de "productos culturales" crece sin parar, parece que los criterios que en otras épocas sirvieron para ver, juzgar, seleccionar y elegir entre esa oferta (en el caso de las artes, criterios como los del gusto establecido, la correspondencia al canon, la belleza, la proporción, la perfección o la novedad) ya no están vigentes. El único criterio que parece estarlo es un: "es interesante".

La basura cultural
Parece evidente que producimos más de lo que podemos razonablemente "consumir", y que empezamos a no saber cómo deshacernos de lo que nos sobra y, sobre todo por qué elegir o deshacernos de algo en concreto y no de otra cosa. ¿Qué seleccionar? ¿Cómo elegir? ¿Qué hacer -dada la inflación de "cosas interesantes"- con los "excedentes"?

Y además, como todos preferimos el orden del pasado al caos del presente, las dificultades se acentúan cuando el "producto cultural" es nuevo, reciente, y no está incluido en los archivos de lo culturalmente valioso legados por la antigüedad o el pasado más reciente; cuando, por tanto, es un producto no legitimado por eso que Chesterton llamó "la democracia de los muertos": la tradición. Es decir, cuando pertenece a nuestro presente inmediato.

La inflación cultural a la que nos venimos refiriendo alude sobre todo a la abundancia de la oferta cultural contemporánea. Pero hay un sentido más amplio de la palabra "cultura", el referido a eso que hace humanos a los hombres, y que incluye siempre una visión de la vida, un ethos y unos símbolos sagrados comunes a cada grupo humano. Aquello a lo que se concede valor es considerado "sagrado", un "fin en sí mismo", algo "significativo", y aquello que no lo tiene es considerado "profano", un mero "medio", algo carente de significado propio. Lo primero tiene el derecho adquirido a ser honrado, conservado y transmitido a la siguiente generación. Lo segundo carece de sentido: se puede tirar.

Primacía de la novedad
Cuando -como en Occidente- el sistema de valores de una cultura incluye la preeminencia del juicio y la libertad individuales sobre las tradiciones, así como la creencia según la cual la característica esencial de la libertad individual es la creación, es decir, la novedad; cuando esa cultura incluye, por tanto, el distanciamiento crítico, la puesta en cuestión y la recreación continua del propio sistema cultural, entonces la escena del arrojar algo a la basura se complica enormemente.

En los últimos tiempos, además, la función cultural del Estado y los procedimientos de reproducción y transmisión de los signos -imágenes y palabras- incrementan el proceso y lo distribuyen en cantidades y dimensiones nunca soñadas, a velocidades de vértigo y lugares casi inauditos.

Una cultura así es, naturalmente, una cultura cuyas dos actividades esenciales son la de archivar (lo que se considera culturalmente valioso) y la de arrojar a la basura (lo que se considera desvalorizado y culturalmente inútil).

El subjetivismo estético
Cuando las llamadas "bellas artes" se hicieron autónomas respecto de la artesanía, lo decorativo, lo útil y lo agradable, quedó inaugurada la sensibilidad estética moderna: ésta nació "separando" los objetos bellos (una pintura, una escultura) de cualesquiera funciones en la vida (por ejemplo, la decoración o el culto). Eso respondía al influyente peso de la restrictiva idea según la cual es bello aquello que arroja un placer subjetivo como resultado de un modo peculiar (desinteresado, sin vistas a su posible utilidad) de experimentarlo.

Todo puede ser cultura
Esta idea restrictiva se expandió hasta conectar con un segundo proceso, el que se podría llamar "la indiferenciación de la conciencia estética y de la obra de arte": el proceso según el cual cualquier objeto puede ser enjuiciado estéticamente y considerado una obra de arte, o, por extensión, el proceso por el cual cualesquiera actitudes, objetos, productos, situaciones, vindicaciones, discursos, o, en general, signos, pueden ser considerados "culturalmente relevantes".

Hoy en dia casi todo tiene, "valor cultural", y ese valor debe ser reconocido, financiado, documentado y conservado.

El museo global
La idea de Duchamp fue que cualquier objeto podía empezar a adquirir identidad y existencia como obra de arte si era "situado" estratégicamente en el lugar adecuado: en el "mundo de las artes", en los espacios de la cultura. Un montón de basura en un basurero es un montón de basura. El mismo montón de basura en una galería de arte contemporáneo es algo manipulado, intervenido y representado con una intencionalidad artística, con el lenguaje indirecto del arte, y puede ser percibido "estéticamente" o considerado culturalmente interesante. Y así, de entre el inmenso réservoir de objetos que constituyen potenciales objetos de interés cultural cuando se los contempla exclusivamente como "objetos culturales", pasan a serlo efectivamente sólo aquellos que son situados estratégicamente en los espacios de la cultura.

Los espacios de la cultura se han banalizado en la misma medida que los lugares cotidianos se han sacralizado: la vida profana ha adquirido aspectos museales (piénsese en el fomento de proyectos bajo el lema "el arte en los espacios públicos"); y, mientras las calles florecen de "manifestaciones culturales", los museos están llenos de chatarra, desperdicios, montones de manteca, ropa vieja, papeles y restos de comida. Tampoco es inhabitual que las performances o happenings de no pocas galerías de arte contemporáneo consistan en escenificar en ellas lo que antes la gente hacía en la privacidad del baño de su casa, en la alcoba o en los servicios públicos.

Mientras la oferta de "productos culturales" crece sin parar y está omnipresente, los criterios que en otras épocas sirvieron para ver, juzgar, seleccionar y elegir entre esa oferta -para decidir entre el archivo y la basura- parecen no estar vigentes hoy.

El derecho a la diferencia
Hoy en dia, según parece, "todo vale" y, por tanto, el simple hecho de no hacer lo mismo que hace el de al lado -el simple hecho de ser diferente- ya disfruta de "interés cultural".

Ocurre que a finales del siglo XX, las únicas "instancias culturales" que no están legitimadas democráticamente son las religiones y las artes.

Qué es una "Manifestación Estética"

No es sencillo es definir qué es y qué no es una manifestación estética. Hay muchas opiniones y teorias que intentan explicar este concepto. ¿Qué es bello o feo, qué es de buen o el mal gusto?. Pero, a pesar de lo delicado del concepto, creo que todas las personas tienen la capacidad de identificar la estética en su dia a dia. Creo que es un tema cultural aprendido de forma inconsciente (otro tanto de forma consciente- las personas que se preocupan de formarse en ese concepto)

Quién es "astista"

Según Wikipedia un artista es: la persona que realiza o produce obras de arte. Lo que se entiende por Artista depende por lo tanto del significado de la palabra "arte".

Qué es arte

Según WIKIPEDIA arte es: El arte es entendido generalmente como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa, a través del que expresa ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, mediante diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos.[1] El arte es un componente de la cultura, reflejando en su concepción los sustratos económicos y sociales, y la transmisión de ideas y valores, inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el tiempo.
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Esta definición me parece bastante completa y refleja, bajo mi punto de vista, todos los matices que puede reflejar el concepto "ARTE".